김테레사 작가 전시회에 다녀왔어요~~~~~^^

김테레사 작가 전시회에 다녀왔어요~~~~~^^

 

 

 

 

<작가의 글>

 

태초의 인간 아담과 이브는 낙원에서 쫓겨났다.

 

그 순간부터 무한의 세계에서 유한의 세계로 접어들기 시작했다.

 

Information Box(사과)를 따먹은 죄인은 시각과 지혜를 시간으로 연결시켯다.

 

인간은 절대자이신 하나님의 Hand made이다.

 

흙으로 남자를 만들고 남자의 갈비뼈로 여자를 만들었기에 남자는 본능적으로 여자를 유혹할 권

리를 가졌고, 여자는 남자의 유혹 받기를 갈망한다.

 

인간의 시작이 이러하다.

 

법을 어기고, 유혹하고, 유혹받고, 시각과 지혜가 생기면서 수치심이 생기고 말을 시작했다.

 

이들은 수많은 Fixel과 위대한 Chip을 가지고 낙원에서 추방되었다.

 

그러면서 인간의 역사를 써나가기 시작했다.

 

현대는 너무 많은 지식과 정보를 가지고 산다.

 

그 문명의 이기에 의지하며 노력하지 않는다.

 

모든게 디지털화되느 '나'를 찾기 힘들고, 사람들끼리 커뮤니케이션이 안되고, 창의력이 떨어진

다.

 

인간의 무력화가 시작되었다.

 

내가 그린 nude는 아담과 이브가 추방당하는 모습을 시작으로 운명의 여신, 지혜의 여신, 미의

여신, 그리고 그리스 신화에 나오는 여신들을 그렸다.

 

마지막 그림은 아틀리에 여인이다.

 

나는 이제 붓을 대신 손으로 허공에 그림을 그리기 시작했다.

 

무제한 크기의 그림을 그렸다 지우기를 반복한다.

 

골프의 이미지 스윙이라고나 할까.

 

나의 그림은 그렇게 40년 넘어 이어지고 있다.

 

 

 

 

 

<김테레사>

 

그림을 그리고, 사진을 찍고, 에세이를 쓰고, 작곡을 한다.

 

뉴욕의 프랫 인스티튜트 대학원에서 회화를 전공했다.

 

사진전은

 

비원(1970, 국립공보관)

 

바람(1972, 국립공보관)

 

뉴욕의 대중문화

 

보통사람들의 벽화(1984 파인힐 갤러리)

 

장미(1994, 파인힐갤러리)

 

워싱턴 그퀘어 1973~2010(2013, 뉴욕 이튼 코헨 파인아트 화랑)등

 

에서 전시를 하셨어요.

 

 

 

 

회화전은

 

뉴욕 히긴스 갤러리(1979)

 

선화랑(1980, 1982)

 

공창화랑(1984)

 

한국문화원(1985)

 

조선화랑(2988, 1992)

 

박영덕화랑(1996)

 

프레스센터(1988)

 

예술의 전당(2005)

 

청담아트센터(2011) 등

 

에서 전시를 하셨어요

 

 

 

 

출판물은

 

화집: 김테레사 작품집 1978~2010(2011)

 

사진집: 워싱턴 스퀘어, 그때 그리고 그 후(2011)

 

산문집: 화가의 기쁨(2014)

 

작곡집: 화가의 노래(2019)

 

이 있으셨어요~~~~^^

 

 

아래 부터는 김테레사 작가님 작품들이에요~~~~~^^

 

 

 

 

 

 

<내가 본 전시회 느낌>

 

김테레사 작가님 작품을 처음 봤을 때 에드가르 드가의 작품인 듯한 느낌을 받았어요.~~~~^^

 

아마도 김테레사 작가님의 이번 작품들이 발레리나나 인체를 주제로 그리셔서 그런 듯한 느낌을 받았어요.

 

김테레사 작가님의 이번 작품들은 힘이 있지만 어느정도 절제되어있는듯한 느낌을 받았어요.

 

김테레사 작가님의 작품을 보게 되어서 행운이였고 다음 전시회가 또 기대가 되네요.

 

 

 

 

 

작품 사진들은 작가 및 관련 관계자의 촬영 허락으로 제작 하였습니다.   
이 작품 사진들 안의 그림들은 작가 및 관련 관계자의 허락 없이 무단 사용을 할 수 없습니다. 

 

 

 

 

 

아래는 인사아트센터 위치에요~~~~~^^

 

 

 

 

 

 

 

 

아래는 김테레사 작가님의 작품 같은 애드가르 드가 및 인상주의에 관련해서 찾아 보았어요~~~~~^^

 

 

 

<에드가르 드가[ Edgar Degas]>

 

프랑스의 화가. 파리의 근대적인 생활에서 주제를 찾아 정확한 소묘능력 위에 신선하고 화려한 색채감이 넘치는 근대적 감각을 표현했다. 인물동작의 순간적인 포즈를 교묘하게 묘사해 새로운 각도에서 부분적으로 부각시키는 수법을 강조했다.

 

출생-사망: 1834.7.19 ~ 1917.9.27 

본명: 일레르 제르맹 에드가르 드가(Hilaire Germain Edgar De Gas) 

국적: 프랑스 

활동분야: 예술 

출생지: 프랑스 파리 

주요작품: 《압생트》(1876) 《대야》(1886)

 

본명 일레르 제르맹 에드가르 드가(Hilaire Germain Edgar De Gas). 파리 출생. 부유한 은행가 집안의 장남으로, 처음에는 가업을 계승하기 위하여 법률을 배웠으나, 화가를 지망하여 1855년 미술학교에 들어갔다. 거기서 J.A.D.앵그르의 제자 L.라모트에게 사사(師事)했고, 앵그르로부터도 직접 가르침을 받아, 평생토록 이 고전파의 거장에 대한 경의를 품게 되었다. 1856년 이탈리아를 여행하면서 르네상스 작품에 심취하였다. 이 무렵부터 거의 10년간은 화가로서의 본격적인 수업기로 오로지 고전연구에 힘을 기울였다. 1865년 살롱에 《오를레앙시(市)의 불행》을 출품하였다. 그 후 자연주의 문학이나 E.마네의 작품에 이끌려, 근대생활을 대상으로 하는 작품을 제작했는데, 1874년부터 1886년까지 인상파전에 7회나 출품 ·협력하였으나 그 후로는 독자적인 길을 걸었다.

 

그는 파리의 근대적인 생활에서 주제를 찾게 되자 더욱 재능을 발휘하여 정확한 소묘능력 위에 신선하고 화려한 색채감이 넘치는 근대적 감각을 표현하였다. 인물동작을 잡아 순간적인 포즈를 교묘하게 묘사하여 새로운 각도에서 부분적으로 부각시키는 수법을 강조해왔다. 경마나 무희, 욕탕에 들어가거나 나오려는 여성의 한 순간의 동작을 즐겨 그렸다. 이러한 그의 눈과 기량은 파스텔이나 판화에도 많은 수작을 남겼을 뿐 아니라, 만년에 시력이 극도로 떨어진 뒤에 손댄 조각에까지 더없는 걸작을 만들어냈다. 선천적으로 자의식(自意識)이 강한 성격 때문에 독신으로 보냈고, 그의 인간혐오증은 늙어갈수록 더하여 고독한 가운데 파리에서 83년의 생애를 마쳤다. 파리 인상파미술관에 소장된 대표작 《압생트》(1876) 《대야》(1886)를 비롯한 많은 작품을 남겼다.

 

 

[네이버 지식백과] 에드가르 드가 [Edgar Degas] (두산백과)

https://terms.naver.com/entry.nhn?docId=1085383&mobile&cid=40942&categoryId=40464

 

 

 

<에드가 드가>

 

에드가 드가(프랑스어: Edgar Degas 에드가르 드가[*] [ɛdɡɑʁ dəɡɑ], 1834년 7월 19일 ~ 1917년 9월 29일)는 프랑스의 유명한 화가이자 조각가이다. 인상주의의 창시자 중 한 사람으로 평가받고 있다.

 

● 생애

파리에서 태어난 그는 주로 발레 무용수와 경주마를 작품 소재로 삼았다. 주로 인상주의로 분류되기는 하지만 그의 작품들 중에는 고전주의와 사실주의 색채를 띠고 낭만주의의 영향을 받은 것들도 있다.

루이 르 그랑 중등학교를 졸업하고 파리 대학 법학부에 들어갔으나 학업을 포기하고 1855년에 앵그르의 제자인 루이 라모트의 소개로 국립미술학교에 입학했다. 루브르 박물관을 드나들면서 거장들의 그림을 익혔다. 1856년부터 1년 간은 이탈리아를 여행하며 르네상스의 거장, 특히 기를란다요, 만테냐의 작품을 배우고, 또 니콜라 푸생과 한스 홀바인의 그림도 배웠다. 1865년에 살롱에 《오르레앙 시의 불행》을 출품하고, 프로이센-프랑스 전쟁 후, 인상파 전람회에 참가하였으나 뒤에는 독자적인 길을 걸었다.[1] 1870년대 전반기에는 그는 자신이 선호하는 두 가지 주제에 초점을 맞추기 시작했다.오페라 극장(특히 발레리나)과 롱샴 경마장의 경주가 그것이다.[2]

 

1872년에는 어머니의 고향인 미국 루이지애나주의 뉴올리언스로 떠나 미국의 역동성을 목격했다. 1873년 파리로 돌아와 인상주의 화가들과 본격적인 교류를 시작했다. 말년에는 지병인 눈병이 악화되어 시력을 거의 잃는 바람에 주로 조각에 몰두했다. 또한, 그는 어린 시절 모친의 외도와 불륜을 지켜본 상처가 큰 탓에 여성을 혐오하게 되었고, 이는 그가 평생 독신으로 지내게 만든 결정적 원인이 되고 만다.

 

초기에는 가만히 서 있는 사람만을 그렸으나 후기 그림은 일상 생활을 하는 그림을 그렸다.

 

 

● 화풍

초기의 화풍은 고전적으로 《보나의 초상》, 《꽃을 든 여인》, 《이오 부인》 등의 초상화에서 출발했으나, 차츰 무용, 극장 등의 근대적 민중 생활의 묘사를 시작했다. 움직이는 것의 순간적인 아름다움을 포착하여 그리는 독자적인 수법을 썼다. 특히, 보는 각도를 바꾸어 가면서 정확한 데생과 풍부한 색감을 표현하였다. 무희를 모델로 한 작품이 많아 '무용의 화가'로 불린다. 주요 작품으로 《댄스 교습소》, 《국화 옆의 여인》 등이 있다.

 

참고 위키디피아

https://ko.wikipedia.org/wiki/%EC%97%90%EB%93%9C%EA%B0%80_%EB%93%9C%EA%B0%80

 

 

 

<인상주의>

 

19세기 후반에 프랑스를 중심으로 일어난 인상주의 미술을 추진한 유파. 19세기 실증주의와 사실주의의 영향으로 대상을 눈에 보이는 그대로 재현하려는 운동이 일어나 옥외에서 태양 아래 자연의 변화무쌍한 순간적 양상을 미묘하게 묘사하는 일이 시도되었다. 이 과정에서 표현상의 새로운 기법과 주관적 감각의 반영을 중시하는 이들이 생겼다. 이들은 자연을 하나의 현상으로 보고, 빛과 대기의 변화에 따라 색채가 일으키는 변화에 흥미를 갖고 사물의 인상을 중시하여 그림을 그렸다.

 

이러한 기법은 <풀밭 위의 점심>과 <올랭피아>의 마네, <인상 · 일출>의 모네, 르누아르와 같은 전기 인상파를 거쳐 발전되었다. 프로이센-프랑스 전쟁으로 인해 런던으로 피신한 모네와 피사로 등은 터너와 컨스터블 등 영국 근대 풍경화파의 외광 표현법을 접하였다.

 

모네, 드가, 모리조, 기요맹, 고갱, 시슬레, 르누아르, 세잔이 1874년 나달의 사진관에서 8회의 전시회를 연 이후로 인상파라는 이름이 일반화되었다. 이들의 표현법과 화풍은 통일성 없이 각자 다 달랐으나 세잔, 고갱, 고흐와 같은 후기 인상파 화가들에 의해 발전되었다. 한편 인상파 화가들은 색채감과 구도에서 일본 풍속화인 우키요에에서 많은 영감을 받은 것으로 알려졌다.

 

[네이버 지식백과] 인상파 (Basic 중학생을 위한 사회 용어사전, 2007. 7. 10., 임성재)

https://terms.naver.com/entry.nhn?docId=922289&cid=47323&categoryId=47323

 

 

 

 

<인상주의>

 

인상주의(impressionism, 印象主義) 또는 인상파(印象派)는 전통적인 회화 기법을 거부하고 색채·색조·질감 자체에 관심을 두는 미술 사조이다.[1] 인상주의를 추구한 화가들을 인상파라고 하는데, 이들은 빛과 함께 시시각각으로 움직이는 색채의 변화 속에서 자연을 묘사하고, 색채나 색조의 순간적 효과를 이용하여 눈에 보이는 세계를 정확하고 객관적으로 기록하려 하였다. 1860년대 파리의 미술가들이 주도하기 시작했다. 인상주의라는 이름은 클로드 모네의 유화 《인상, 해돋이》(Impression, Sunrise)에서 비롯되었는데, 비평가 루이 르로이가 《Le Charivari》지에 기고한 비판에서 처음으로 쓰였었다. 인상주의 미술은 인상주의 음악과 인상주의 문학의 발전에 영향을 주었다.

 

● 역사

피사로, 모네, 시슬레, 드가, 세잔, 르누아르, 모리조, 기요맹 등은 1874년 4월에, 파리 카프신가(街)의 전 나다르 사진관을 회장(會場)으로 하여 첫 번째 전시회를 열었다. 회장에 우연히 모네의 풍경화인 《인상, 해돋이》가 있어, 그것을 들어 잡지 《샤리바리》의 비평가 르로아가 그저 인상을 그리는 일당(一黨)이라는 데에서, 인상파라고 야유한 연유로 인하여 그 이름이 널리 퍼졌다. 인상파의 전시회는 1886년 제8회까지 계속되는데, 최초에는 압도적인 매도(罵倒)로 시작하여 화가의 고투(苦鬪)가 계속되었다. 이윽고 고갱도 인상파 전시회에 참가했다.[2]

 

● 발생과 특징

인상주의라는 이름은 1874년 4월 25일 미술 비평가 르로이가 파리의 전시회에서 비판적인 뜻으로 사용한 것에서 유래하며, 오늘날 서양 미술사에서 19세기 후반을 대표하는 사조로 쓰이고 있다. 인상주의는 빛의 변화에 따른 순간적인 형태의 변화를 포착하려는 미술양식을 말하며 빛에 따라 순간적으로 변화하는 깊이없는 사물의 인상을 표현하고자 하였다. 인상주의 화가들은 빛에 따라 시시각각 변하는 사물의 모습을 포착해내기 위해 야외에서 그림을 그렸으며 색채 표현에 있어서 시각적인 착시효과를 이용한 색채분할법을 사용하였다. 이와같은 인상주의는 회화에서의 재현적인 사실적 묘사가 더이상 의미가 없게 되었음을 입증해주는 것이라고 할 수 있다. 이러한 인상주의는 서양 미술사에서 대중에게 가장 많이 알려지고 애호되는 화풍으로 평가되고 있다. 인상주의가 대중에게 커다란 호감을 주게 된 중요한 요인으로는 다음과 같은 점들이 꼽힌다.

인상주의 미술은 전통적인 그림의 주제와 기교에 얽매이지 않고 일상생활에서 그림의 동기와 대상을 찾았다.

인상주의 미술은 사실주의 미술처럼 도시의 일상뿐만 아니라 프랑스 시골의, 특히 프로방스 지방의 햇살 아래의 수시로 변화 하는 풍경을 현장에서 직접 화폭에 음악으로써 생동감과 친근감을 주게 된다.

인상주의 화가는 빛과 색의 조화, 대상과 면의 구성을 나름대로 실험하였으며, 이는 고갱과 고흐, 세잔 등의 후기 인상주의로 이어져 프랑스의 야수파와 독일의 표현주의등 현대 미술의 형성에 결정적 영향을 끼치게 된다.

 

● 대표적 화가

카미유 피사로

폴 세잔

빈센트 반 고흐

폴 고갱

클로드 모네

에두아르 마네

에드가 드가

피에르오귀스트 르누아르

툴루즈 로트렉

베르트 모리조

구스타브 카유보트

프란시스코 고야

장 프레데릭 바지유

 

참고 위키디피아

https://ko.wikipedia.org/wiki/%EC%9D%B8%EC%83%81%EC%A3%BC%EC%9D%98

 

 

 

 

 

<인상주의>

 

1. 미술사조

신고전주의와 낭만주의에 반대하여, 19세기 중후반 프랑스의 사회 모습을 담아내려 한 화파이다. 대략 1863년에서 1890년 사이에 벌어졌다. 현대미술과 모더니즘의 시작을 알린 미술사조이다. 인상파는 이 인상주의의 특징을 가지고 작업한 예술가들을 칭하는 말이다.

 

1.1. 인상주의의 특징

미술에서 인상주의(impressionism)는 현대미술의 시작으로 인정받는다. 인상주의와 이전 예술의 가장 큰 차이점은, 감각에 대한 새로운 인식의 변화가 생겼다는 점이다.[1] 대개 인상주의의 특징을 설명할 때 많은 사람들이 당대 실생활을 그렸다는 것을 주요 특징으로 삼는다. 하지만 이것은 인상주의를 절반만 본 해석이다. 당장 이것을 인상주의의 큰 특징으로 잡으면 사실주의에 대한 설명이 매우 불분명해진다.

 

감각에 대한 새로운 인식의 변화는 당대에 인상주의자들을 긍정적으로 바라보았던 카스타냐리의 1874년 칼럼에서도 나타나는데 그는 인상주의를 "풍경 자체가 아니라 풍경이 낳은 '감각'을 묘사했다"라고 서술했다. 요컨데 인상주의자들은 감각이라는 것을 개념적인 영역으로 이해했다. 다시 말해 감각이라는 것은 기본적으로 외부를 향해 있지만 감각의 실체라는 것은 내면에 실존한다고 믿은 것이다. 이것이 사실주의자들과 구별되는 점은 사실주의가 현실의 기계적 재현이라는 말로 폄하되곤 했던 것에 비해 인상주의의 경우 실재를 드러내면서도 (내면에 실존하는 감각을 이용한) 개인의 주관성을 놓치지 않았다는 점이다. 인상주의가 현대 미술의 시작으로 인정받는 이유는 바로 이 점, 실물과 일치하는 외양을 창조하면서도 개인의 자유를 발휘하는 것 때문이다.

 

특히나 개인의 자유를 발휘했다는 바로 이 점은 당대의 평론가들에게 있어서 평가의 중요한 준거가 되기도 했다. 일례로 앞서 말했던 카스타냐리의 경우 인상주의자들을 '자연주의자'라고 불렀는데 이 용어에 내포된 함의에는 자연에 대한 객관적인 표현을 전제하고 있었다. 하지만 카스타냐리 스스로도 말했듯이 인상주의자들은 자연주의라는 그의 용어에는 맞지 않았다. 실제로 당대에 인상주의에 호의적인 비평가들도 인상주의의 지나치게 주관적인 측면에 대해서는 각자 의견을 달리했다. 카스타냐리의 경우 이 점에 대해서 우려를 표명했고 뒤랑티의 경우 긍정적이지는 않았지만 이런 측면을 인정했다. 그리고 졸라의 경우에는 이 점을 인상주의의 강점 중 하나로 꼽았다.

 

그 다음으로 고려해야 할 것이 바로 당대 현실의 실생활을 그렸다는 점이다. 하지만 여기서 말한 당대 현실의 실생활은 사실주의가 추구했던 실생활가는 그 결을 달리한다. 가령 쿠르베의 사실주의에서 실생활이 대상은 노동자, 농부와 같은 하층민이었다. 하지만 인상주의에서 실생활은 부르주아의 삶으로서 나타난다. 실생활을 표현하는 태도 또한 차이가 있었다. 가령 쿠르베의 회화가 정치적인 논쟁을 던질 정도로 도발적이었다면 인상주의자들에게서 이러한 격렬함은 희석되고 오히려 즐거움과 유희가 나타난다. 또한 쿠르베가 지방을 지향했던 것에 반해 인상주의자들은 (일괄적으로 적용이 불가능 하지만) 도회적인 인상을 띄었다.

 

19세기 중반을 기점으로 프랑스 미술계는 크게 두 가지 예술 사조가 자리잡고 있었다. 하나는 기존의 고전주의적인 양식을 답습하며 제도적으로는 국가 주도의 살롱 체제를 따르는 소위 신고전주의자들이다. 그들은 명실공히 제도권 미술하에서 인정받는 그야말로 '정통'이었고 미술학교의 교육과정과 살롱 심사위원들도 이 정통의 계보를 이어받은 미술가들이 대부분이었다. 나머지 하나는 신고전주의적인 미술 체계를 포함하는 제도권 미술에 대한 반발작용으로 모인 일군의 진보적인 화가들로 아직 이들을 규정하는 일관된 사조는 없었지만 일반적으로 사실주의, 자연주의자들로 불렸다. 이들은 오늘날 미술사에서 당당히 한켠을 차지하고 있지만 19세기 중반까지만 하더라도 아직 기반이 매우 약했고 대중들의 지지 또한 약했다. 이처럼 양자의 대립은 흡사 다윗과 골리앗의 싸움과 유사한 점이 많다. 19세기 프랑스 화단을 평정하고 있었던 미술은 반세기전에 다비드가 기틀을 잡아놓은 이후 19세기까지 굳건한 토대를 마련해 놓았고 따라서 그 파이가 상대적으로 클 수밖에 없었다. 하지만 급진적인 화가 그룹은 길어봐야 20년을 넘기지 못했던 매우 약소한 그룹이었다. 하지만 이러한 작은 반동이 판을 뒤집는 힘을 가지지는 못할 망정 물을 흐려놓을 수는 있었다. 때문에 제도권 미술의 공식적인 출품 경로인 살롱전에서는 이들을 일부 포용하여 전시를 꾸려가는 등의 유동적인 태도를 보이기도 한다. 이러한 태도는 과거의 선례에 기반한 것인데 지난날 낭만주의와 신고전주의라는 상이한 화풍의 대립 속에서 들라쿠르아 같은 낭만주의자들의 수장을 심사위원단 자리에 배정한 적이 있었다. 하지만 이들의 기본 기조는 아직도 보수적이었다.

 

19세기 중반. 제도권 미술이 소묘에 대한 지나친 강박, 역사화라는 제한된 주제에 매몰되자 이에 반발하는 젊은 화가들이 등장하기 시작한다. 그 시작은 퐁텐블로에서 모인 자연주의자들이 처음이었는데 다만 이들의 태도가 그 이후에 등장하는 여러 운동들에 비해서 덜 전투적이었고 따라서 평행선을 달릴지언정 충돌을 하지는 않았다. 하지만 쿠르베가 등장하면서 제도권 미술과 비제도권 미술의 대립은 표면으로 떠오르게 된다. 고전적인 규격에 맞지 않는 미술들이 차즘 살롱전에 등장하기 시작했고 그때마다 보수적인 심사위원단과 평론가들은 이 작품들에 혹평을 하며자신들의 예술관을 고수하고자 했다. 이러한 대립속에서 1855년 쿠르베가 사실주의 선언을 발표하면서 양자 간의 대립은 극단적인 상황에 치닫게 된다. 이 둘의 대립은 초기에는 대중들의 지지를 받았던 신고전주의자들에게 유리하게 흘러갔다. 하지만 기존의 미술에 대한 반발은 계속해서 나왔고 점점 더 많은 예술가들이 이러한 운동에 동조하기 시작했다.

 

이윽고 1863년. 나폴레옹 3세의 치세하에서 치뤄진 살롱 전시는 과거 그 어떤 것들보다 이례적이었다. 63년의 살롱전 심사위원단은 유난히 보수적이었고 엄격한 심사기준을 적용했는데 그 결과 출품작 5000점 중에서 3000점이 낙선되는 초유의 사태가 벌어졌다. 이 이례적인 낙선 비율은 예술계에 엄청난 동요를 불러일으켰고 이러한 동요가 황제의 귀에 들어갈 정도로 사태가 눈덩이처럼 불어나고 있었다. 급기야 황제는 인상주의 운동의 역사에서 중요한 분기점을 형성하게 되는 결정을 하게 된다. 그는 4월 22일 오후 만국박람회장에서 낙선된 작품들을 둘러본 이후 "5월 15일 산업관의 다른 한쪽에서 낙선된 작품들을 전시할 것이다"라는 폭탄선언을 한 것이다. 살롱전의 낙선으로 좌절하고 있던 많은 예술가는 이 조치에 한껏 기대감을 품었고 일부는 나폴레옹 3세의 자유주의적 조치에 의구심을 품기도 했지만 쿠르베를 비롯한 전위적인 작가들은 그 조치의 속내가 무엇이던간에 산업관에 걸 작품들을 선별해내느라 정신이 없었다. 1863년의 살롱전에는 인상주의의 아버지라 불리우는 마네의 작품도 끼어있었다. 그는 비록 그 자신이 쿠르베처럼 논쟁적인 인물은 아니라고 생각했고 심지어 몇몇 급진적인 미술가들이 주장하듯이 '공식미술'이 혁파되야 한다고 생각하지도 않았다. 하지만 그의 그림은 그의 이러한 관점과는 무관하게 충분히 논쟁적이었다.

 

낙선 전 당일 수많은 관중들이 이 실패한 작품들을 보러오기 위해 전시장을 찾았다. 관중들의 반응은 대개 일관적이었다. 오늘날에도 많이 전해지듯이 급진적인 낙선 작품들은 실력이 부족한 화가의 작품으로 치부되었고 공개적으로 비웃음을 사기도 했다. 물론 몇몇 평론가들은 낙선전의 작품에 대해 호평을 아끼지 않았다. 그러나 많은 사람들은 그렇지 않았는데 <마호 복장을 한 청년>, <에스파다 옷차림의 V양>, <풀밭위의 점심>을 출품한 마네에 대한 평가는 혹독했다. 그에 대한 비판은 주로 기법적인 측면에서 기인했다. 대다수의 관중과 평론가들은 그의 작품이 미숙하고 완성되지 않은 것이라고 여겼다. 비록 라파엘로의 동판화의 영향을 받은 작품이었지만 그 작품은 당대에 경박하다는 혹평을 피할수가 없었다. 특히 세부묘사에 있어서 붓 자국이 보일정도로 단순하게 처리되고 배경 또한 세부묘사가 적은 것은 기존의 미술에 익숙했던 사람들에게 엄청난 반발을 가져왔다.

 

하지만 이러한 몰이해에도 불구하고 마네는 들라크루아, 쿠르베를 잇는 전위적인 화가 그룹의 우두머리로 떠올랐다. 모네, 바지유와 같은 후일 인상주의 운동의 주축을 형성하는 사람들이 그의 작품에 경탄해 마지 않았다. 후일 마네의 형과 결혼을 하게되는 인상주의 화가 베르트 모리조도 이 전시에 감명을 받고 인상주의의 길로 뛰어들었다. 인상주의자 그룹중에서 후기 인상주의로의 이행을 이루었고 근대와 현대 미술의 분기점을 가르는 실험적 예술 운동을 진행했던 세잔 또한 마네의 작품에 감명받았다. 장장 20년에 걸친 인상주의 운동의 투쟁의 역사가 1863년 이 낙선전으로부터 시작되었다. 1863년이 인상주의의 역사에 있어 중요한 이유는 마네라는 구심점이 이때를 기준으로 형성되었기 때문이었다. 급진적인 화풍을 배제하기 위한 이례적인 낙선 비율과 뒤이은 화가들의 반발 그리고 낙선전의 출품과 이 전시에 대한 대중적인 관심은 공교롭게도 인상주의를 집단적인 운동으로 발전시키는 데 결정적인 공헌을 한 것이다.

 

앞서 언급했듯 인상주의 역사에서 제일 먼저 언급되어야 할 인물은 에두아르 마네이다. 그가 1863년 낙선전에서 선보인 <풀밭 위의 점심>은 단숨에 사람들 입소문을 탔다. 나쁘게 악명을 타서 문제지만. <풀밭 위의 점심>에 가해진 비판의 첫번째 요점은 '너무 사실적'이라는 것, 즉 주제가 지나치게 현실적이고 직접적이라는 것이었다. 과거 역사나 신화와 같은 먼 세계의 교훈적이고 감동적인 이야기가 아니라, 나폴레옹 3세 시대의 평범한 도시인이 소풍 나온 장면 따위나 그려서 뭐하자는거냐? 이런 식이었다[2][3].

 

게다가 불만인 사람들은 '그림을 너무 못그렸다'고도 지적했다. 이전 그림들이 붓자국이 보이지 않을 정도로 말끔하게 그리는 것을 목적으로 한 데 반해, 마네는 붓자국을 그냥 드러냈다. 나중에 가면 이 붓자국 때문에 작가 감정하기가 쉬워져서 도리어 가치가 올라가지만, 이때만 해도 프랑스 사람들은 오늘날 한국 사람들보다도 더 보수적이었다.

 

그리고 그림이 입체감 없이(쉽게 말해 3D 같은 느낌을 안줬다는 거다) 평평한 것도 지적을 받았다. 오늘날에도 일반인들은 이 점을 눈에 거슬리게 볼 것이다. 하지만 역설적으로 이 평평함이 마네를 혁신의 아이콘으로 만들었다. 이후 클레멘트 그린버그를 위시한 이론가들은 마네가 '그림을 그림답게 그렸다'고 추켜세웠다. 괜히 거짓말하지 않고 솔직하게 그렸다, 즉, 2D 주제에 3D 인척 환영을 보여주지 않으려 노력했다고 본 것이다.3D 따위 불결하다는. 2D가 최고라는 이게 나중에 '순수 회화(pure painting)'라는 말의 기원이 된다. 즉, 회화만의 특징 이외에 다른 효과는 배제한 그림이 나오게 된 것이다. 조각처럼 볼륨이 있으면 안되고, 문학처럼 이야기가 있으면 안되고, 건축처럼 공간감이 느껴지면 안 되고, 음악처럼 소리와 시간이 느껴지면 안 된다고 여기게 된 것이다. 역으로 이 회화상 추구가 오늘날 추상화를 만든 결과를 낳았고, 일반인이 보기에 미술은 어렵다는 인식을 심어주게 된 것이다.

 

마네는 여기서 끝내지 않았다. 약간 반항끼가 있었는지, 그는 <올랭피아>에서는 아예 매춘부를 등장시켰다. 최근에는 아닌 것으로 판명됐지만 어차피 당시 사람들은 매춘부인 줄 알았으니 서양전통회화에서 아무리 누드를 그려제꼈다고 해도, 그건 어디까지나 여신, 즉 비현실의 존재를 그린 것이었다.사람의 나체가 아니니까 부끄럽지가 않다 하지만 마네는 그냥 아는 지인을 모델로 세워 그렸다. 모델이 된 빅토린 뫼랑은 화가 지망생이었다.# 문제는 이 여자가 실제 여자라는 것. 그리고 '올랭피아'라는 이름이 매춘부 이름으로 흔한 이름이란 거다. 오늘날 한국 입장에서 따지면 오피에서 성매매하는 여자 같은 이름을 그림에 붙이고는 그린 거나 마찬가지. 앞서 <풀밭 위의 점심> 역시 마찬가지지만, 이는 당대 사람들을 매우 불편하게 했다.

 

게다가 이 그림이 불편한 두 번째 이유는, 그림 속 여자가 거만하게 날 노려다 본다는 것이다. 근데 이게 또 후대 학자들에게 큰 평가를 받는 요인이 된다. 왜냐면 이는 연극성을 제거한 것으로 평가받았기 때문이다. 우리는 상대가 내 눈을 마주보지 않고 없는 듯이 행동하는 걸 '연극하는 것 같다'고 말하곤 한다. 이전 회화에서 그림 속 등장인물들은 마치 관람자가 없는 듯이 행동하는 것처럼 그려졌다. 이건 지금도 그렇다. 광고 속 모델이 당신을 공격할 듯이 잡아먹듯이 나오면 보는 사람은 불안할 것이다. 보는 사람 보기 좋게 그려진 그림은 한마디로 보는 사람 비위맞춰주려고 그린 그림은 등장인물을 정면을 노려보도록 그리지 않는다. 화면 밖 먼 곳을 보거나, 화면 속 다른 사람과 눈길을 주고받거나, 정 관객을 바라보도록 그려졌으면 상냥하게 바라보는 것처럼 그려진다. 모나리자를 생각해보자. 이 느낌을 요즘 느낌에 맞게 표현한다면, 길거리 전광판에 고3 여학생이 벌거벗은 채 나와 날 바라보는 느낌?정도라 하겠다. 당시 프랑스 사람들이 당황할 만도 하다.안 민망하면 이상한 거잖아

 

또 다른 마네 그림의 특징으로 여겨지는 건, 초상화에서 인물의 '내면'이 느껴지지 않는다는 것이다. 사람들은 '부차적인 요소인 정물에서 테크닉을 보여줄 뿐'이라거나 '인물이 정물화같이' 그려졌다는 말까지 할 정도였다. 후대 연구자들은 바로 이 부분에서 마네가 새로운 근대성을 보여주었다고 말한다. 마네는 오늘날 도시인의 감성 그대로 초상을 그린 것이다. 오늘날 도시 사람들은 무덤덤하게 그냥 지나치며 가끔 바라볼 뿐, 타인에게 감정을 드러내려 하지 않는다. 마네는 바로 이 무심함, 냉담함을 그린 것이다. 이걸 쿨한 것으로 볼지, 아니면 감정이 결여된 것으로 볼지는 다른 문제지만, 어쨌든 이런 '쿨시크한' 표현은 오늘날 광고에서도 많이 나오는 표현이다. 한국에서는 1970년대쯤부터 나타난 도시의 대중들의 분위기가, 이미 프랑스에서는 1860년대에 있었다는 것도 중요하다.

 

물론 사실 인상주의는 야하고 도발적인 그림만 있는 게 아니다. 대다수 대중들은 흔히 인상파 분위기의 그림에서 보이는 색채나 붓터치를 좋아하는 것이다. 당대에는 그림을 못그렸다는 평가를 받았지만, 사실 이렇게 붓터치가 드러날 정도로 얇게 바르면 색상이 화사해진다. 마네 이후론 아예 칙칙한 밑칠을 안하고 그리기도 했고 말이다. 그리고 후기인상주의만큼은 아니자만, 인상주의의 붓터치도 굉장히 인상적이다. <인상 : 해돋이> 그림도 그렇고 말이다. 저런 그림을 사실적이라고 말할 사람은 없을 것이다. 그냥 붓질 슥슥해서 그린 거니까. 하지만 우리는 사실적이라고 느낀다. 말 그대로 일출의 인상을 잘 잡아냈기 때문이다. 해가 떠오를 때 붉게 물든 하늘 색과 아직 새벽처럼 새파란 바다색, 그리고 물결에 일렁이는 표면의 그림자를 말이다.

 

마네에 영향[4]을 받아 등장한 소위 인상주의자들은 이 빛에 굉장히 민감하게 반응했다. 빛과 색채에 하악거린 이 사람들은, 말 그대로 인간 사진기가 되려고 했다.(…) 이 사람들은 당대의 풍습과 사회상을 마치 사진찍듯 그리려 하다 보니, 야외작업을 많이 했다. 어찌보면 잘 놀았고, 잘 느끼고, 잘 그린 사람들이다. 그야말로 프랑스적인 느낌을 잘 보여주는 화파라고 할까. 뭔가 소소한 것에 되게 감격하고 즐거워하는 프랑스인의 태도를 잘 보여준다. 특히 르누아르는 이런 분위기를 제대로 보여주는 화가다. <보트 위의 점심식사>를 보면 정말 즐겁게 잘 노는 모습을 보여준다.(…) 세부 묘사를 봐도 빛에 따른 살결의 색채 변화를 잘 표현해 행복한 분위기에 잘 어울린다. 정작 화가 자신은 별로 안 행복하게 살았는데, 그림은 행복해보이는 특이한 경우.(…)

 

다만 주의할 건 이 소소한 것에 감격하고 즐거워하는 태도도 그냥 원래 그랬던 게 아니라는 거다. 이런 태도도 어찌보면 심심한 도시생활에 적응하며 노력하다보니 만들어진 산물이다. 한국 사람들이 이렇게 못 하는 건 노동시간이 많아서다 노동시간을 주깁시다 노동은 우리의 원쑤 그리고 이런 행복한 생활은 어디까지나 중상류층이나 가능했다는 걸 기억하자. 같은 인상주의 작가라도 에드가 드가는 <압생트 마시는 사람>에서 우울한 당대 서민들의 모습을 그렸다. 이 압생트를 당대 프랑스 서민 노동자들은 정말 소맥빨듯(...) 빨아제꼈을 것이다.[5] 하층민이나 빈민들의 삶은 사실 당시 프랑스도 그닥 좋지 않았다. 여가 활동이란 것도 당시는 먹고 술마시고 서커스 보고 정도였으니. 당시엔 축구 야구 중계나 텔레비전 방송도 없었다 게다가 동시대의 프랑스 중상류층은 베트남에서 멀티 돌리며 미네랄을 빨아먹어가며 그런 행복을 유지한 것이다.

 

 

1.2. 대표 작가

•귀스타브 카유보트

•빈센트 반 고흐(1853-1890)

•앙리 팡탱 라투르

•에두아르 마네(1832-1883)

•에드가 드가(1834-1917)

•장 프레데릭 바지유

•카미유 피사로(1830-1903)

•클로드 모네(1840-1926)

•폴 고갱(1848-1903)

•폴 세잔(1839-1906)

•피에르 오귀스트 르누아르(1841-1919)

 

참고 나무위키

https://namu.wiki/w/%EC%9D%B8%EC%83%81%EC%A3%BC%EC%9D%98